Mentre l’intelligenza artificiale sta trasformando il mondo del lavoro, l’economia creativa si trova di fronte a una questione urgente. Le arti sono in grado di «garantire un futuro lavorativo equo e dignitoso per tutti, in cui le persone siano aiutate a trovare posti di lavoro migliori in un’economia più produttiva»?
Questa è l’ambizione dichiarata dell’Unità per l’intelligenza artificiale e il futuro del lavoro, recentemente istituita dal governo britannico. Ma per gli operatori del settore artistico la vera questione è più urgente: cosa comporta, realisticamente, un futuro guidato dall’intelligenza artificiale per la sostenibilità dei loro mezzi di sussistenza?
L’intelligenza artificiale sta trasformando rapidamente il mondo dell’arte
A livello globale, il clima è ben più contrastante rispetto all’ottimismo suggerito dalla retorica governativa. Lo scorso anno, la nostra ricerca* condotta presso la Queen Mary University in collaborazione con l’Alan Turing Institute, l’Institute for the Future of Work e quattro importanti sindacati del settore artistico ha rilevato che il 70% dei lavoratori creativi del Regno Unito teme che il proprio lavoro possa essere sostituito dall’intelligenza artificiale.
Il Forum economico mondiale stima che il 26% delle attività creative sia esposto a un elevato rischio di automazione. Nel contempo, un rapporto dell’Arts Council England offre una visione alternativa: gli artisti e i creativi sono tra i protagonisti dell’innovazione nel campo dell’intelligenza artificiale.
Mentre l’intelligenza artificiale sta trasformando rapidamente il mondo dell’arte, il settore non è rimasto in silenzio, preoccupato dal fatto che l’intelligenza artificiale rischi di aggravare le condizioni già precarie in cui versano molti creativi.
Come afferma Philippa Childs, direttrice del BECTU: «I liberi professionisti devono già fare i conti con contratti precari, lavori instabili e la pressione costante di arrivare a fine mese. Poiché l’intelligenza artificiale viene integrata nella produzione creativa, spesso senza che i lavoratori ne siano nemmeno informati, rischiamo che la tecnologia diventi una cortina fumogena per erodere i diritti».
Un’attenzione eccessiva al diritto d’autore
Tuttavia, gran parte del dibattito attuale nel settore si è concentrato sull’intelligenza artificiale generativa, ponendo l’accento sull’uso di prodotti creativi per addestrare modelli linguistici di grandi dimensioni e sui conseguenti danni alla tutela del diritto d’autore degli artisti. Ciò significa che manca una parte fondamentale del quadro generale del settore.
L’attenzione rivolta al diritto d’autore trascura la maggior parte delle persone che lavorano nelle industrie creative: tecnici, troupe, personale “below the line” e personale di supporto. Questi lavoratori superano di gran lunga gli artisti e i creatori, e il loro lavoro è raramente tutelato giuridicamente dal diritto d’autore o dalla proprietà intellettuale. I dati del Parlamento europeo illustrano la portata di questo squilibrio: i lavoratori tecnici e di supporto costituiscono l’88% della forza lavoro nel settore televisivo e il 77% in quello editoriale. Quando i dibattiti sulle politiche relative all’IA ruotano esclusivamente attorno ai creatori e ai titolari dei diritti, si tralascia la maggior parte della forza lavoro creativa.
Il problema è aggravato dalla forte dipendenza del settore dai liberi professionisti. Mentre le iniziative volte all’istituzione di un commissario governativo per i liberi professionisti continuano a rimanere in stallo in Parlamento, recenti studi, come il «Freelancers Study» dell’Arts Council England, hanno iniziato a far luce sulle esperienze dei liberi professionisti. Tuttavia, anche in questo caso l’attenzione rimane sbilanciata a favore dei creativi, dato che oltre l’81% degli intervistati ha dichiarato di ricoprire ruoli creativi.
In un mercato del lavoro così frammentato, la sfida principale non riguarda solo la sostenibilità di ruoli specifici, ma anche quella dei lavoratori creativi che devono destreggiarsi tra più lavori. Anche se i responsabili politici decidessero di dare priorità esclusivamente alla sostenibilità del lavoro di artisti e creativi, tale approccio sarebbe comunque destinato al fallimento.
Molti creativi finanziano la propria attività artistica attraverso lavori retribuiti di natura «non creativa». Se tali posti di lavoro venissero sostituiti o sottopagati a causa dell’intelligenza artificiale, l’ecosistema della pratica creativa rischierebbe di crollare. Concentrarsi esclusivamente sui diritti dei singoli creativi significa ignorare i sistemi di lavoro interdipendenti che sostengono l’economia creativa nei suoi numerosi settori.
Pregiudizio storico
La ricerca accademica riflette questo punto cieco. Il personale tecnico e di supporto è stato a lungo emarginato nel mondo accademico. Questo pregiudizio risale al XVIII secolo, quando i sistemi di finanziamento dell’arte subirono una trasformazione radicale. Quando l’arte veniva commissionata da mecenati reali o religiosi, l’idea di «artista» era molto più vicina a quella che oggi definiremmo di «artigiano». Gli artisti (compositori, scrittori, pittori, coreografi ecc.) erano considerati maestri artigiani che operavano all’interno delle strutture delle corporazioni al servizio del potere e dello status del loro mecenate.Â
La situazione cambiò quando l’arte entrò a far parte di un’economia laica e orientata al mercato. Collezionisti privati, editori e incassi dei biglietti sostituirono la corte e la Chiesa come fonti di reddito, e con essi emerse la figura moderna dell’«artista». Come spiega lo storico Larry Shiner, questo nuovo ruolo esaltava l’originalità , l’espressione di sé e la libertà intellettuale.
Il valore artistico venne sempre più associato all’idea del genio individuale. Questo cambiamento divise il lavoro artistico in due parti. L’artista divenne il detentore di un talento speciale e di una visione profetica, mentre ai tecnici e agli artigiani furono assegnate le dimensioni concrete, collettive e commerciali della produzione creativa. L’arte si distaccò dalle pratiche tecniche e dalla collaborazione che l’avevano resa possibile in primo luogo.
Con l’espansione dei mercati dell’arte sono stati introdotti nuovi quadri giuridici. La proprietà intellettuale e il diritto d’autore sono emersi grazie alle accese campagne condotte dagli artisti nel XIX secolo per rivendicare il controllo finanziario sulle proprie opere in quanto «capitale culturale» – tutele giuridiche che raramente venivano concesse ad artigiani e tecnici. L’idea degli artisti come «creativi» deriva da questa logica, anche se è evidente che gran parte del lavoro tecnico è in realtà altamente creativo, mentre quello artistico non lo è sempre.
Una distinzione sempre più insostenibile
Questo retaggio storico continua a influenzare il modo in cui gli operatori del settore artistico vengono assunti, valorizzati e tutelati oggi, e continua a plasmare il dibattito sull’intelligenza artificiale in tutto il settore. Tuttavia, poiché l’intelligenza artificiale rischia di aggravare condizioni di lavoro già precarie, questa distinzione sta diventando sempre più insostenibile.
Non è possibile costruire un futuro equo e dignitoso per il lavoro nel settore artistico limitandosi a proteggere solo l’«arte». È necessario tutelare tutte le persone il cui lavoro mantiene viva l’economia creativa. Come afferma Philippa Childs: «Ogni ruolo nelle industrie creative ha un valore, e l’uso dell’intelligenza artificiale non deve privare di riconoscimento e di una giusta ricompensa le persone che fanno prosperare il nostro settore. Il lavoro tecnico è alla base della produzione creativa e non deve essere considerato sacrificabile nella fretta di adottare nuove tecnologie».
*Nel 2025 Monks ha collaborato a un importante progetto di ricerca volto ad analizzare gli effetti dell’intelligenza artificiale sulla forza lavoro creativa, insieme a Equity, BECTU, Musicians’ Union e Society of Authors, all’Alan Turing Institute e all’Institute of the Future of Work. Le conclusioni e i risultati di questo progetto sono disponibili qui. Â